Paice, Ian (UK)

ADAMS DRUMMERS FESTIVAL, 27 novembre 1998
ADAMS DRUMMERS FESTIVAL, 16 mars 2014

Ian Paice s’est fait un nom en tant que batteur du groupe de heavy rock emblématique Deep Purple. En fait, tout au long de leur longue carrière, malgré de nombreux changements de personnel, il est le seul batteur qu’ait jamais eu le groupe, jouant sur une série d’albums vendus à des millions d’exemplaires. Pendant trois ans au milieu des années 70, Deep Purple fut le plus grand groupe de rock au monde, un fait prouvé par les ventes de disques.

Il est certain que l’élément clé qui sous-tendait tout le développement du heavy rock était la section rythmique, et avec quelques autres, Ian Paice peut prétendre avoir été à l’avant-garde de ce mouvement. On dit que Deep Purple a établi de nouvelles normes pour les groupes de heavy rock et une grande partie du mérite revient à Ian, dont le style est devenu l’un des plus influents dans le jeu de batterie rock.

Ian a apporté d’une génération précédente de batteurs rock le jeu serré et précis et le son net et clair des meilleurs de ses prédécesseurs, mais a ajouté puissance, vitesse redoutable et technique pour créer un style et un son uniques offrant le meilleur des deux mondes. Ses fills sur le single « Black Night », qui a atteint la deuxième place au hit-parade fin septembre 1970, ont posé des problèmes à de nombreux groupes de reprises qui ont dû être très reconnaissants que Deep Purple n’ait pas sorti plus de singles! (Écoutez le jeu de batterie sur « Fireball », « Burn » ou « Highway Star » entre autres).

Sans aucun doute, Ian Paice s’est assuré une place dans le temple de la renommée des batteurs.

Lorsque DrumNet a interviewé Ian, Deep Purple célébrait les 30 ans du groupe et Ian n’était qu’à un mois de ses 50 ans. D’après ce que nous avons vu et appris, il n’a aucun plan pour ralentir, ni dans son jeu de batterie ni dans son emploi du temps chargé!

Ian, qu’est-ce qui vous a d’abord inspiré à devenir batteur?
Eh bien, en fait, mon premier instrument était le violon mais j’ai vite compris qu’il sonnait mieux si je le frappais que si j’essayais d’en jouer! Enfant, j’étais autant frappé par l’aspect visuel que par le son. J’ai commencé à regarder de vieux films hollywoodiens où quelqu’un comme (Gene) Krupa était mis en vedette et ils faisaient une chose glamour comme frapper vers le haut à travers une batterie, à travers des peaux claires, et vous le voyiez jouer. Cela semblait être l’instrument le plus visuel qui soit.

Ainsi, à un très jeune âge, environ onze ans je pense, j’ai commencé à essayer de fabriquer mes propres batteries – vous savez, avec des boîtes à biscuits et tout ce que je pouvais trouver qui était un peu rond. Cela a duré deux ou trois ans, voler les aiguilles à tricoter de ma mère et toutes les autres choses habituelles que les enfants font.

Mon père était aussi musicien. Il était pianiste. Il avait son propre petit trio, ou occasionnellement un quintette. Avant ma naissance, il était pro et quand la famille est arrivée, il a arrêté et ne le faisait que pour un peu d’argent supplémentaire le week-end. Quand il a vu que je n’allais pas arrêter, il m’a acheté mon premier kit. J’avais quinze ans. C’était un Gigster rouge pailleté. Il coûtait £ 32.12s.6d. (£ 32.63) – et cela ne valait pas le coup! Il avait ces clés d’accordage à l’ancienne qui passaient par-dessus le cerceau et chaque fois que vous essayiez d’accorder la caisse claire, parce qu’elle était équipée de véritables peaux de vélin, elles faisaient juste ping – elles se brisaient! Vous ne pouviez rien y faire à part avoir ce vrai son bebop négligé que je n’aimais pas vraiment.

Cela a duré quelques mois puis il a réalisé que je le prenais au sérieux et il m’a acheté mon premier véritable kit qui était un Premier en ‘Aquamarine Pearl’, une chose bleu profond. À ce moment-là j’ai commencé à beaucoup écouter la radio, les choses de ma génération et juste avant. Tout ce que j’écoutais avant cela était la musique de mon père – sans argent on n’achetait pas de disques. Il jouait sa musique tout le temps. Ils étaient tous des batteurs swing et donc, bien que j’aimais cette musique à l’époque et que je l’apprécie encore maintenant, je ne l’écoutais pas consciemment. Mais ces influences, ces sensations, étaient autour de moi tout le temps et quand j’ai commencé à jouer, elles sont sorties.

À ce moment-là j’avais commencé à regarder et écouter ce que ma génération faisait et j’ai pensé que le kit qui avait la meilleure apparence était celui de Ringo Starr, donc j’en ai eu un exactement comme ça. C’était un Ludwig en Black Oyster Pearl et à cette époque, avec des cymbales Avedis Zildjian dessus, cela coûtait environ £ 450 ce qui était une fortune. J’ai dû prendre un travail juste pour payer les mensualités. J’ai eu ce travail pendant environ un an et je jouais avec un groupe local des reprises. C’était en 1964 et j’avais seize ans. Et puis, très occasionnellement, on tombait sur cet autre groupe qui était professionnel – cela ne signifiait pas grand-chose, juste qu’ils ne se levaient pas le matin! Mais de temps en temps, vous arriviez dans le même gig alors vous vous connaissiez, et quand j’avais environ dix-sept ans leur batteur est parti et ils m’ont offert le gig. C’était la décision la plus difficile que j’ai jamais eu à prendre.

Alors c’était écouter des batteurs swing de la génération de votre père qui vous a d’abord mis en route, mais quels étaient les batteurs contemporains que vous écoutiez et admiriez?

Oui, il y avait deux ou trois batteurs que je pensais être dans une classe différente du reste. L’un était Bobby Elliott des Hollies et un qui commençait à passer dans la musique rock était Ginger Baker qui avant cela était purement un joueur de jazz. C’était quand Cream se passait, vers ’66 – ’67. Et puis, quand vous commenciez à écouter Ginger, bien sûr vous commenciez à écouter d’où Ginger l’obtenait. Et j’ai écouté certains des batteurs américains comme Bernard Purdie et Carmine (Appice) qui avaient pris ce que Ginger faisait et le tournaient à nouveau. Donc il y avait des gens autour mais ils s’introduisaient un peu sur vous parce qu’ils rebondissaient les uns sur les autres tout le temps.

D’autres batteurs autour et juste avant votre temps auraient inclus des gens comme Mitch Mitchell, Tony Meehan et Brian Bennett. Ont-ils été d’une quelconque manière influents?
Mitch oui et Tony Meehan avait un grand feeling. Ce qu’il faisait sur des choses comme Diamonds et ainsi de suite était simple mais avait un vraiment bon feeling rock and roll. Je n’ai jamais pensé que Brian le faisait, mais c’est juste une chose personnelle. Je pense que Brian Bennett venait d’une manière de jouer beaucoup plus basée sur le jazz – beaucoup plus douce – et n’avait pas tout à fait ce feu. Cependant, les deux étaient juste un peu avant mon temps et la musique n’était pas vraiment ce qui m’intéressait – ce truc instrumental.

Cela a vraiment commencé pour moi quand The Beatles ont commencé à faire de la musique. Peu importe ce que quelqu’un dit, ils étaient le meilleur groupe du rock and roll britannique. Je ne sais pas si Ringo était un bon soliste, je ne pense pas qu’il ait jamais eu la chance. Mais quand vous avez un feeling comme ça, cela n’a vraiment pas d’importance n’est-ce pas? Tout ce qu’il jouait était parfaitement juste – et différent. Personne n’a jamais joué ce merveilleux hi-hat ‘slush’ comme il le faisait. C’était superbe – désordonné mais exactement juste!

Parlant d’originalité et revenant à votre propre jeu, les gens discutent encore aujourd’hui de l’intro de ‘Fireball’. Pensez-vous pouvoir raconter l’histoire derrière une fois de plus pour l’enregistrement?
Eh bien cela a commencé sur une grosse caisse – la vitesse n’est pas si difficile, ce n’est pas si rapide (!) – mais vous travaillez juste sur un nerf et la puissance est impossible avec une seule grosse caisse. Vous ne pouvez pas obtenir la puissance, vous tremblez simplement! Nous essayions de le faire de cette façon mais cela ne se produisait tout simplement pas. La nuit précédente, The Who avait enregistré là-bas et le kit de Keith (Moon) était encore là. Alors j’ai juste traîné une de ses grosses caisses à côté de la mienne et j’ai fait exactement la même partie. Je n’ai jamais essayé de cacher le fait que j’ai utilisé deux grosses caisses. Et vous avez raison, même après toutes ces années les gens disent encore ‘l’avez-vous fait sur une?’ – j’aimerais pouvoir dire Oui! Vous pouvez le simuler sur une – c’est assez facile (!) en utilisant simplement une chose où, au lieu de commencer avec la grosse caisse sur le ‘one’, vous jouez la ‘and’ de chaque temps. Avec tout le reste qui se passe vous pensez entendre l’autre grosse caisse – jusqu’à ce que vous entendiez quelqu’un la jouer avec deux grosses caisses alors vous savez ce qui manque!

Mais vous savez, ce n’est pas juste une question de qui a les meilleures chops – parfois trouver ce qu’il faut jouer est la partie difficile. Jouer est généralement assez facile, tandis que trouver la partie est difficile. C’est comme essayer d’écrire une chanson – n’importe qui peut copier une chanson – mais le gars qui écrit la chanson, il a la partie difficile.

Pendant la plupart de vos années avec Deep Purple, Ritchie Blackmore a été le guitariste mais vous avez aussi eu Tommy Bolin dans le groupe pendant un court moment et ensuite plus récemment Steve Morse et Joe Satriani. Je sais qu’ils correspondent directement au style global du groupe mais leurs différences stylistiques font-elles une différence pour vous en tant que batteur?
Honnêtement – non. Tout ce que je demande c’est que le gars joue à cent pour cent, et les gens dont vous parlez sont tous des joueurs remarquables. Oui, ils jouent tous légèrement différemment, mais quand vous avez un monstre comme Deep Purple, tout le monde est un peu contraint dans la façon du groupe – vous jouez d’une certaine manière à cause de la façon dont la musique est structurée.

La même chose s’applique-t-elle aux bassistes? Je pense à quand Roger (Glover) est parti et a été remplacé par Glenn Hughes qui était un type de bassiste totalement différent.
Oui, eh bien c’est une autre affaire. Glenn était une sorte de bassiste funk / soul et en tant que batteur cela peut vous laisser beaucoup moins d’espace. Il se passe tellement plus de choses que peut-être vous n’avez pas la liberté que vous avez avec un vrai bassiste rock and roll solide. Glenn ne voudrait pas faire ce que Roger faisait, il perdrait l’intérêt. Fondamentalement, il est un chanteur qui joue de la basse. Ils sont une race différente, les bassistes! Si vous en trouvez un bon, ils ont ce talent incroyable. Parce que d’une part ils doivent avoir une certaine quantité de technique pour s’en sortir avec certaines de ces riffs idiotes qu’on leur demande de jouer, dupliquant ce que fait le guitariste. Mais en même temps, ils doivent avoir le bon goût de ne pas vouloir montrer à tout le monde qu’ils peuvent le faire! Et cela demande une grande retenue. C’est ok d’avoir quelqu’un sur un instrument “top line” qui clignote autour de lui et hypnotise tout le monde avec des notes étranges, mais vous voulez quelqu’un à la basse qui ne fait rien et le fait fonctionner.

Avez-vous des morceaux ou des albums préférés de Deep Purple?
Morceaux préférés, Oui – et ce sont généralement ceux où je pensais que je jouais bien. Il y a certains morceaux où je sais que le feeling est juste et le jeu était ok et il n’y a pas de parties dont je veux parler! ‘Space Trucking’ sur l’album Machine Head était vraiment un assez joli moment de jeu et sur l’album de Tommy Bolin (Come Taste The Band), ‘The Dealer’ a aussi du bon jeu dessus. Mais presque chaque disque que vous faites vous devez faire des compromis à un certain degré. Vous pouvez corriger cette partie ou cette partie, mais dans l’ensemble vous ne l’obtiendrez pas meilleur. Donc à la fin vous devez vivre avec ce genre de choses.

Qu’est-ce qui est différent maintenant par rapport à quand vous avez commencé à jouer et comment vous sentez-vous à propos des changements?
Avec le recul, la liberté que nous avions alors pour faire tant de choses. Vous êtes tellement limité dans le studio maintenant parce que presque tout est dominé par des click tracks. Il y a ce terrible critère d’essayer de correspondre à une machine. Et pour un batteur c’est vraiment difficile. Vous pouvez mettre n’importe quel disque moderne que vous voulez et vous pouvez dire que chaque fill est carré. Il n’y a pas de swing du tout. Peu importe à quel point vous êtes un bon joueur, ce qui fait que les choses swinguent c’est que ce n’est pas totalement du temps strict – cela bouge, cela pousse, cela tire. Et nous devons faire face à cela parce que maintenant nous avons des musiciens qui comptent sur le fait que c’est du temps strict – qui en fait ne peuvent pas jouer sur quelque chose qui bouge. Si vous remontez aux enregistrements des années cinquante et écoutez des choses comme le groupe de Little Richard, les tempos sont partout, mais ils le font tous ensemble donc cela n’a pas d’importance – cela se sent juste génial. Ces groupes comptaient sur le sentiment que c’était bon – pas parfait. Vous pouvez obtenir quelque chose de parfait et cela reste là comme un morceau de plomb.

Vous pensez donc vraiment que nous sommes trop pris dans cette chose de perfection?
Certainement. Nous payons maintenant pour les années quatre-vingts quand le ‘Techno’ a commencé à prendre le dessus et les gens n’utilisaient pas de batteurs – quand ils ont commencé à utiliser des machines avec une programmation simple et que le truc ne bougeait pas. Les gens s’y sont habitués, mais ce n’est pas la façon dont les humains jouent. Un ‘middle eight’ arrive – vous poussez dedans, le couplet arrive – vous tirez en arrière, quelqu’un prend un solo – vous prenez une pause et tirez en arrière, les choses deviennent excitantes – vous poussez en avant. Ces choses sont la nature humaine.

Et si vous n’êtes pas autorisé à faire cela, il faut beaucoup de travail acharné pour essayer de donner l’impression que vous le faites quand vous ne le faites pas. Vous avez un espace très petit, très limité à l’intérieur des clics métronomiques, une partie devant le clic et une partie derrière, mais c’est une bande si étroite et vous devez essayer de donner l’impression que vous poussez dedans mais vous ne faites vraiment rien. C’est très difficile.

Y a-t-il quelqu’un que vous écoutez maintenant?
Eh bien il y a encore beaucoup d’innovation mais malheureusement ce n’est pas dans le rock and roll. La plupart des gars qui jouent maintenant vont pour le grand son. C’est tellement généré techniquement. Vous n’entendez pas de grace notes par exemple, tout ce que vous entendez c’est la grosse caisse et la caisse claire. Ils peuvent sembler géniaux, mais il n’y a vraiment rien qui se passe. Et aussi vous ne pouvez pas dire qui joue, parce que lorsque vous retirez ces petits éléments, vous retirez aussi leur individualité. Vous pouviez toujours dire si c’était Ginger (Baker) ou John (Bonham) ou Ringo (Starr) ou Buddy (Rich). Tous ces gars avaient leurs bons bits et leurs mauvais bits, mais c’étaient leurs bits.

C’est vraiment dommage pour les batteurs. Vous pouvez généralement encore distinguer les guitaristes les uns des autres – vous pouvez dire, ‘Oh c’est Blackmore’ ou ‘Je pense que c’est Stevie Vai’ etc et évidemment avec un chanteur vous pouvez encore faire cela, mais avec la batterie maintenant c’est très difficile. Ils enlèvent toute l’âme.

Alors, à votre avis, la musique rock britannique est-elle vivante et entre de bonnes mains?
Malheureusement je ne pense pas. C’est vraiment dommage qu’en Grande-Bretagne l’industrie soit tellement dominée par les médias. Au lieu que les maisons de disques mettent leur puissante rame dans l’eau et disent ‘c’est la direction pour la musique rock dans ce pays’, ils laissent faire les gens qui conçoivent des vêtements. Vous avez ce que l’on appelait autrefois des hommes A & R pour les maisons de disques qui regardent dans les magazines pour voir ce qui est à la mode!

Il ne semble plus y avoir une pensée originale parce qu’en gros, ils ne savent rien de la musique. On suppose qu’ils pensent savoir comment vendre des disques, mais je ne peux penser à aucune maison de disques britannique qui ait réellement signé quelqu’un au cours des cinq, six peut-être même dix dernières années qui vendra encore des disques pour eux dans dix ans. Je ne crois pas qu’Oasis par exemple vendra encore des disques dans cinq ans et je sais que les Spice Girls ne le feront pas!

Eh bien les gens achètent les disques de Deep Purple depuis presque trente ans maintenant et j’ai l’impression qu’ils se vendront toujours dans dix ans

Je l’espère certainement!